La Hollywood actual ha entrado en una fase en la que solo parece capaz de imaginar o justificar la extensión de una aventura desde la perspectiva de lo grandioso. Sin embargo, esa grandiosidad se logra más a través del tono y la retórica que por su verdadera sustancia.
Los atributos visuales y sonoros de la obra maestra son buenos motivos para verla en un cine. Pero es sobre todo el componente emotivo y catártico el que se va a beneficiar de ser, más que un mero espectador, parte de un público.
La estructura abierta de la película permite distraerse con pequeñas magias que no aportan a la historia, pero sí a esa capa espesa de climas y temas que se entreteje con la anécdota.
A pesar de que quedan algunos hilos sueltos, en este neowestern de terror, el director Jordan Peele muestra un estilo visual único y una notable habilidad para capturar detalles inquietantes que resultan difíciles de comprender.
El personaje del patrón muestra interesantes ambigüedades, y la película, a través de diálogos elaborados, romanticiza la conexión entre el hombre del campo y la tierra.
En 'Ma Rainey’s Black Bottom', la adaptación de la obra teatral se ve ensombrecida por un exceso de recursos cinematográficos llamativos. Esto hace que la película se asemeje a un ejercicio donde se intenta aplicar todos los trucos aprendidos en la escuela de cine, lo que le resta autenticidad.
La película presenta elementos de aventura que la posicionan como un ejemplo representativo de lo que comúnmente esperamos de un western. A pesar de su cuidada ambientación y algunas pocas secuencias de acción, su esencia es más cercana al cine de autor y al cine con un mensaje, algo que la dirección resalta claramente.
Todo eso está realizado con mucha elegancia, pero, frente al consabido virtuosismo cinematográfico del director, nos da una sensación de renuncia, de voto de castidad.
Nada basta para sostener una narrativa consistente. Quizá como consecuencia de la estructura de la novela, la historia flota un poco a la deriva, y uno podría abandonarla antes del final o comenzar a leerla en cualquier momento sin perder demasiado.
Toda la vida soñé con ver un buen thriller ubicado en la Gran Purga. Esta película transmite mucho de ese clima y tiene elementos de thriller. Pero la película es más compleja y extraña que eso. Está salpicada de un humor quirky perverso.
La película tiene poca utilidad y lo que intenta aportar lo hace de manera incompleta: obtenemos un ligero entendimiento de la historia, pero también perdemos parte de ella. En cuanto a entretenimiento, resulta monótona y, en términos de reflexión moral, social o ética, se ve limitada por su clara intención de entretener.
Lo que no fatiga nunca, o incluso está cada vez mejor, es el gusto de su manera de filmar, [de Allen] la sabiduría para elegir los puntos de vista con una sencillez y funcionalidad excepcionales, pero al mismo tiempo obteniendo gran belleza plástica.
Los Taviani destacan anécdotas intrigantes y emotivas que giran en torno a pequeñas acciones heroicas, dilemas éticos y la brutalidad del fascismo. Su enfoque combina una estética visual rústica al estilo de Roberto Rossellini con una poderosa plasticidad gráfica.
Está esa manera única, intransferible, de lidiar con aspectos crueles, al que no le faltan enormes dosis de ternura, toques de humor absurdo, y una especial simpatía por la nerditud cuando no está desprovista de corazón y sinceridad.
La película resulta bastante entretenida, pero presenta dos problemas significativos que afectan su calidad. El primero es la poca credibilidad en la transformación de Kya, quien acaba siendo una joven sorprendentemente pulcra. El segundo se relaciona con el uso excesivo de música emotiva, que se encuentra en gran parte del filme.
Es el tipo de documento que desearía disponer cualquiera que fuera a hacer una reconstitución de época en una ficción sobre hechos pasados. (...) Es como estar ahí, una presencia real (falsa) dentro de la distancia y ajenidad casi imposible de esas imágenes (verdaderas).
